One of the many frustrating ironies of jazz history has to do with Mel Powell. A superb swing pianist in the Earl "Fatha" Hines/Art Tatum/Teddy Wilson vein, Powell was at the height of his powers as a jazz improviser when, in the 1950s, he decided to retire from jazz and put his time and energy into classical music. Before making that decision, he recorded some inspired small-group swing dates for Vanguard in the early to mid-'50s. One of the CDs that illustrates the excellence of Powell's Vanguard output is It's Been So Long, which spans 1953-1956 and contains selections from four of his classic John Hammond-produced LPs (including Borderline and Out on a Limb). Joined by such accomplished soloists as trumpeter Buck Clayton, clarinetist Edmund Hall, and the Lester Young-influenced tenor saxman Paul Quinichette, Powell lets loose and really goes that extra mile. Not surprisingly, many of the songs are associated with Powell's one-time employer Benny Goodman, including "Stompin' at the Savoy," "Avalon," and "If Dreams Come True." After his Vanguard sessions, Powell didn't record another jazz album as a leader until 1987's The Return of Mel Powell on Chiaroscuro. In Powell's case, jazz's loss was certainly classical's gain. ~ Alex Henderson, All Music Guide https://www.allmusic.com/album/its-been-so-long-mw0000667736
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Una de las muchas ironías frustrantes de la historia del jazz tiene que ver con Mel Powell. Powell, un magnífico pianista de swing en la vena Earl "Fatha" Hines/Art Tatum/Teddy Wilson, estaba en el apogeo de sus poderes como improvisador de jazz cuando, en la década de 1950, decidió retirarse del jazz y dedicar su tiempo y energía a la música clásica. Antes de tomar esa decisión, grabó algunas fechas inspiradas de swing en grupos pequeños para Vanguard a principios y mediados de los 50. Uno de los CD que ilustra la excelencia de la producción vanguardista de Powell es It's Been So Long, que abarca 1953-1956 y contiene selecciones de cuatro de sus clásicos LP producidos por John Hammond (incluidos Borderline y Out on a Limb). Acompañado por solistas tan consumados como el trompetista Buck Clayton, el clarinetista Edmund Hall y el saxofonista tenor Paul Quinichette influenciado por Lester Young, Powell se suelta y realmente hace un esfuerzo adicional. No es de extrañar que muchas de las canciones estén asociadas con el antiguo empleador de Powell, Benny Goodman, incluidas "Stompin' at the Savoy"," Avalon " y " If Dreams Come True."Después de sus sesiones de Vanguard, Powell no grabó otro álbum de jazz como líder hasta The Return of Mel Powell on Claroscuro de 1987. En el caso de Powell, la pérdida del jazz fue ciertamente la ganancia de la música clásica. ~ Alex Henderson, Guía de toda la Música https://www.allmusic.com/album/its-been-so-long-mw0000667736
An Oscar- and Emmy-nominated film and television composer, classical composer, and acclaimed jazz pianist, Lalo Schifrin emerged as a big-band leader in the mid-'50s, collaborating with the likes of Dizzy Gillespie and Xavier Cugat before beginning to score films in the mid-'60s. His iconic theme to TV's Mission: Impossible was first broadcast in 1966. Following in the footsteps of John Barry and Monty Norman's "James Bond Theme," its orchestral jazz instrumentation (including prevalent flutes, brass, piano, bongos, and jazz drums) and adrenalized staccato, syncopated rhythms helped to define spy music for decades to follow. Much like contemporaries Michel Legrand, Henry Mancini, and André Previn, while he wrote in a variety of styles, Schifrin remained best known for his jazz-inflected scores. They also included crime films like 1968's Bullitt, which set an urban scene with a large jazz ensemble that included electric guitar and electric bass, and the Dirty Harry franchise (1971-1988). Though more varied, the Dirty Harry scores maintained an antsy jazz M.O. while updating the production palette over time to include more keyboards, strings, and rock-styled drums. After his Mission: Impossible theme was repurposed for a big-screen reboot in the mid-'90s, Schifrin combined jazz, rock, and lush orchestral tracks in his lively soundtracks for the Rush Hour action franchise in the late '90s and 2000s. Over 50 years after its introduction, his Mission: Impossible theme was still featured heavily in Lorne Balfe's music for the blockbuster sixth entry in the film series, 2018's Mission: Impossible - Fallout.
Born Boris Claudio Schifrin in Buenos Aires in 1932, Schifrin grew up with a father who played violin with the Teatro Colón Orchestra. When Lalo was six years old, his dad arranged for him to begin studying piano with Enrique Barenboim, father of celebrated pianist/conductor Daniel Barenboim. As a teenager, he studied piano with the former head of the Kiev Conservatory, Andreas Karalis, and harmony with composer Juan Carlos Paz. After winning a scholarship to the Paris Conservatory in the early '50s, he studied with French composers Charles Koechlin and Olivier Messiaen. In his off hours, he played in Parisian jazz clubs, and in 1955, he represented Argentina in the Paris International Jazz Festival. After returning to Buenos Aires, he started his own 16-piece, Basie-style jazz band, the first of its kind in Argentina, and found work as a pianist and arranger. His status as a bandleader helped him meet Dizzy Gillespie in 1956, and Schifrin offered to write a suite for Gillespie. He completed the five-movement Gillespiana in 1958, the same year he became an arranger for Xavier Cugat. In 1960, Schifrin moved to New York City and joined Gillespie's quintet, which recorded Gillespiana to much acclaim. He became Gillespie's musical director until 1962, contributing another suite, The New Continent, before leaving the position to concentrate on his writing. Schifrin accepted his first film-scoring assignment in the U.S. in 1963 (Rhino!) and moved to Hollywood, soon finding a niche composing for both TV and the silver screen. In the meantime, he composed works marked by his jazz-classical fusion style, including the 1963 ballet Jazz Faust and 1965's Jazz Suite on the Mass Texts.
After establishing himself on episodes of television series such as The Alfred Hitchcock Hour and The Man from U.N.C.L.E., Schifrin joined the music department of the spy series Mission: Impossible. It premiered on CBS in 1966 and featured his catchy 5/4 instrumental "Theme from Mission: Impossible," a track that would live on in TV-music collections for decades to come. He followed it a year later with his theme to Mannix, around the same time he was becoming known for his jazzy scores to high-profile crime films such as Cool Hand Luke (1967) and Bullitt (1968). He earned his first Academy Award nomination for Cool Hand Luke and his second a year later for the D.H. Lawrence drama The Fox. Schifrin composed the music for the Don Siegel-directed Coogan's Bluff, starring Clint Eastwood, in 1968. He reunited with the pair on 1971's Dirty Harry and went on to write music for four of the five remaining films in the series, which extended through the '80s (1976's The Enforcer was composed by Jerry Fielding). During that time span, he also wrote scores for films as diverse as the 1976 war film Voyage of the Damned (his third Oscar nomination), Disney's The Cat from Outer Space from 1978, and the 1979 horror classic The Amityville Horror (his fourth Oscar nomination). He received two more Academy Award nominations in the '80s, for The Competition (1980) and The Sting II (1983).
While he continued to write frequently for movies and TV, Schifrin returned some of his focus to classical works during the '90s, a decade that saw the release of the first three in a series of orchestral jazz albums called Jazz Meets the Symphony. He also arranged much of the music for the first three of the Three Tenors concerts. In 1996, his Mission: Impossible theme reached another generation when it was repurposed for a series of films starring Tom Cruise. U2's Adam Clayton and Larry Mullen, Jr. produced a dance version of the theme that reached the Top Ten of the singles charts in the U.S. and U.K. Still writing original material for film, beginning in 1998, Schifrin provided playful orchestral scores for the first three entries in the Rush Hour series, starring Jackie Chan.
Schifrin stayed active in Hollywood in his seventies, scoring films such as the crime film After the Sunset and the horror movie Abominable (directed by his son, Ryan Schifrin), in addition to Rush Hour 3 in the 2000s. The third, fourth, and fifth Mission: Impossible films saw release during the 2010s, as did the Schifrin-scored romantic comedy Love Story (2011) and basketball bio-pic Sweetwater (2016).
Lalo
Schifrin (Boris Claudio Schifrin, Buenos Aires, 21 de junio de 1932) es un
pianista, compositor, arreglista y director de orquesta argentino, nacído en
una familia judía. Es conocido por haber compuesto múltiples bandas sonoras de
películas y series de televisión, especialmente el tema principal de Misión
imposible. A lo largo de su carrera recibió cuatro Premios Grammy, un Premio
Cable ACE, seis nominaciones del Premio de la Academia y cuatro al Premio Emmy.
Posee una estrella en el Paseo de la fama de Hollywood.
El
compositor argentino fue encargado de recibir el Premio Óscar en noviembre de
2018, como reconocimiento a su exitosa trayectoria profesional, anunció la
Academia de Hollywood en una nota de prensa.1
Índice
Animado
por su padre, violinista sinfónico, Lalo comenzó a tocar el piano a los 6 años.
Cursó su secundario en el Colegio Nacional de Buenos Aires. En 1952, entró a
estudiar en el Conservatoire de Paris y participó de la vida jazzística
nocturna parisina (a la que era muy aficionado entonces el escritor argentino
Julio Cortázar).
Tras
regresar a Buenos Aires, Schifrin formó una big band. En 1956 conoció al
trompetista Dizzy Gillespie, que venía acompañado de Quincy Jones; ambos
compartieron un encuentro fortuito en el que improvisaron junto a Schifrin y su
joven amigo Astor Piazzolla.
Gillespie
luego le encargó que escribiera para él. El trabajo fue una suite de cinco
movimientos, titulada Gillespiana, que terminó en 1958.
Ese año se
convirtió en el arreglista del músico español Xavier Cugat.
En 1960 se
trasladó a Nueva York y se unió al quinteto de Gillespie que, tras grabar
"Gillespiana", obtuvo un gran éxito. Schifrin se convirtió en el
director musical de Gillespie hasta 1962.
A partir
de ese año se centró en su carrera como compositor y director, casi siempre con
una orientación de jazz latino y de bossa nova; aceptó, además, en 1963 su
primera colaboración con el mundo del cine. Schifrin se traslada a Hollywood,
consiguiendo grandes éxitos con sus temas para series como Misión Imposible
(1966), Mannix (1967), y Starsky y Hutch (1975-76).
También
compuso la música de la película de culto de George Lucas THX 1138 (1971).
Durante la década de los setenta, escribió la música para películas como The
Cincinnati Kid, Bullitt, Cool Hand Luke, Harry el sucio y Enter the Dragon.
Como
músico de jazz, escribió la suite Jazz Mass en 1965, y se aproximó al jazz-funk
con su disco de 1975 Black Widow. En 1985 recibió el Premio Konex - Diploma al
Mérito como uno de los mejores jazzistas de la Argentina. Continuó con su
trabajo para el cine a lo largo de la década de los noventa.
Grabó,
además, una serie de discos de jazz orquestal llamados Jazz Meets the Symphony,
y se convirtió en el principal arreglista de Los Tres Tenores, lo que
suscitaría su actual interés por la música clásica.
En 2016 la
Cinemateca Francesa le rindió tributo con la edición de The Sound Of Lalo
Schifrin, una caja de cinco CD. Además, fue el invitado especial de la tercera
edición del Festival de Cine y Música de Películas de La Baule, con un
concierto en su honor. "Yo tengo un don. No sé quién me lo dio, pero tengo
mucha suerte: a veces, veo una imagen y ya me imagino la música" dijo
Schifrin en un reportaje.
El 17 y 18
de enero de 2020 se realizan en su homenaje dos conciertos denominados Tributo
a Lalo Schifrin en el Symphony Space de Nueva York, promovidos por la Afro
Latin Jazz Orchestra (ALJO) de Arturo O'Farrill. En el programa se incluyen su
Suite Gillespiana, obras de Emilio Solla, Pablo Aslan, Guillermo Klein, Sofía
Rei, Richard Nant y Horacio Salgán y se estrena Lalo cura la locura de Gabriel
Senanes, composición encomendada por la ALJO, con dirección del propio
compositor. https://es.wikipedia.org/wiki/Lalo_Schifrin
Review by Scott Yanow Altoist Bud Shank (who doubles on flute) and acoustic guitarist Laurindo Almeida first teamed up in 1954 to make a couple of albums called Brazilliance that hinted at but greatly predated bossa nova. Shank and Almeida came together 20 years later to form the L.A. Four, a quartet also including bassist Ray Brown and drummer Shelly Manne. Their debut recording as a unit was made at the 1974 Concord Jazz Festival, and it finds the appealing musicians blending together well on bossa nova tunes (including "Manha de Carnaval"), Almeida's classical-oriented originals, and some swing. This was a particularly inventive chamber jazz band. https://www.allmusic.com/album/the-la-4-scores%21-mw0000196876
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Reseña de Scott Yanow El altoista Bud Shank (que toca la flauta) y el guitarrista acústico Laurindo Almeida se unieron por primera vez en 1954 para hacer un par de álbumes llamados Brazilliance que insinuaban pero eran muy anteriores a la bossa nova. Shank y Almeida se unieron 20 años después para formar L. A. Four, un cuarteto que también incluía al bajista Ray Brown y la baterista Shelly Manne. Su grabación debut como unidad se realizó en el Festival de Jazz de Concord de 1974, y encuentra a los atractivos músicos mezclándose bien en melodías de bossa nova( incluida "Manha de Carnaval"), los originales orientados a la música clásica de Almeida y algo de swing. Se trataba de una banda de jazz de cámara particularmente inventiva. https://www.allmusic.com/album/the-la-4-scores%21-mw0000196876
Review from AllMusic (by Lindsay Planer):
This collection brings together some of Sonny Rollins' earliest recordings as a leader. The first four tracks feature Rollins with John Lewis, Milt Jackson, Percy Heath and Kenny Clarke, producing a particularly strong interaction between Rollins' tenor and Jackson's vibraphone. The remaining selections come from another Rollins quartet with Kenny Drew, Percy Heath and Art Blakey, while "I Know" features Miles Davis on piano with Heath and Roy Haynes. Planer emphasizes the energetic character of the MJQ performances and the developing strength of Rollins' early quartet work.
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Resena de AllMusic (por Lindsay Planer):
Esta coleccion reune algunas de las primeras grabaciones de Sonny Rollins como lider. Los primeros cuatro temas presentan a Rollins junto a John Lewis, Milt Jackson, Percy Heath y Kenny Clarke, con una destacada interaccion entre el saxo tenor de Rollins y el vibrafono de Jackson. Los restantes temas proceden de otro cuarteto de Rollins con Kenny Drew, Percy Heath y Art Blakey, mientras que "I Know" presenta a Miles Davis al piano junto a Heath y Roy Haynes. Planer destaca el caracter energico de las interpretaciones con el MJQ y el desarrollo del trabajo de Rollins con su primer cuarteto.
Biography by Scott Yanow Jo Jones shifted the timekeeping role of the drums from the bass drum to the hi-hat cymbal, greatly influencing all swing and bop drummers. Buddy Rich and Louie Bellson were just two musicians who learned from his light but forceful playing, as Jones swung the Count Basie Orchestra with just the right accents and sounds. After growing up in Alabama, Jones worked as a drummer and tap dancer with carnival shows. He joined Walter Page's Blue Devils in Oklahoma City in the late '20s. After a period with Lloyd Hunter's band in Nebraska, Jones moved to Kansas City in 1933, joining Count Basie's band the following year. He went with Basie to New York in 1936 and with Basie, Freddie Green, and Walter Page, he formed one of the great rhythm sections. Jones was with the Basie band (other than 1944-1946 when he was in the military) until 1948, and in later years, he participated in many reunions with Basie alumni. He was on some Jazz at the Philharmonic tours and recorded in the '50s with Illinois Jacquet, Billie Holiday, Teddy Wilson, Lester Young, Art Tatum, and Duke Ellington, among others; Jones appeared at the 1957 Newport Jazz Festival with both Basie and the Coleman Hawkins-Roy Eldridge Sextet. He led sessions for Vanguard (1955 and 1959) and Everest (1959-1960), a date for Jazz Odyssey on which he reminisced and played drum solos (1970), and mid-'70s sessions for Pablo and Denon. In later years he was known as "Papa" Jo Jones, and thought of as a wise if brutally frank elder statesman. https://www.allmusic.com/artist/jo-jones-mn0000134722#biography
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Biografía de Scott Yanow Jo Jones desplazó la función cronométrica de la batería del bombo al platillo hi-hat, influyendo enormemente en todos los bateristas de swing y bop. Buddy Rich y Louie Bellson fueron sólo dos de los músicos que aprendieron de su forma de tocar, ligera pero contundente, ya que Jones hacía vibrar a la orquesta de Count Basie con los acentos y sonidos justos. Tras crecer en Alabama, Jones trabajó como batería y bailarín de claqué en espectáculos de carnaval. Se unió a los Blue Devils de Walter Page en Oklahoma City a finales de los años veinte. Tras un periodo con la banda de Lloyd Hunter en Nebraska, Jones se trasladó a Kansas City en 1933, uniéndose a la banda de Count Basie al año siguiente. Se fue con Basie a Nueva York en 1936 y con Basie, Freddie Green y Walter Page formó una de las grandes secciones rítmicas. Jones estuvo con la banda de Basie (aparte de 1944-1946, cuando estuvo en el ejército) hasta 1948 y, en años posteriores, participó en muchas reuniones con antiguos alumnos de Basie. Participó en algunas giras de Jazz at the Philharmonic y grabó en los años 50 con Illinois Jacquet, Billie Holiday, Teddy Wilson, Lester Young, Art Tatum y Duke Ellington, entre otros; Jones apareció en el Festival de Jazz de Newport de 1957 tanto con Basie como con el sexteto Coleman Hawkins-Roy Eldridge. Dirigió sesiones para Vanguard (1955 y 1959) y Everest (1959-1960), una cita para Jazz Odyssey en la que recordó y tocó solos de batería (1970), y sesiones de mediados de los 70 para Pablo y Denon. En sus últimos años se le conocía como "Papa" Jo Jones, y se le consideraba un sabio aunque brutalmente franco anciano. https://www.allmusic.com/artist/jo-jones-mn0000134722#biography
Review by Stephen Thomas Erlewine Trombonist Bennie Green cut four sessions for Blue Note Records, three of which were released as full-length LPs. At the remaining session, the group cut a series of eight songs that were intended for release as singles -- as reissue producer Michael Cuscuna points out, several songs fade out at the end on the master tapes, cutting off solos just as they're beginning to take off. The Japanese issue The 45 Session collects all nine masters, including one alternate take of Babs Gonzales' vocal tribute to Bennie, "Encore." Considering the strength of Green's combo -- it boasted pianist Sonny Clark, bassist Paul Chambers, tenor saxophonist Eddy Williams, and drummer Jerry Segal -- it's a bit frustrating to hear the songs in truncated form, but since that's the only way they exist, fans should cherish what we do have. And this is music to cherish. Green's Blue Note recordings are consistently fun, and this is no exception. Each song swings with energy, offering each instrumentalist a chance to shine -- the piano-handclap breakdown on "Minor Revelation" is as infectious as the blowing "It's Groovy" or the swinging interpretation of "Why Do I Love You." This is cheery, bluesy, good-natured music, and even if Gonzales' hipster salute to Green has dated a bit, the rest of the music is as appealing today as when it was recorded. https://www.allmusic.com/album/the-45-session-mw0000960169
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Reseña por Stephen Thomas Erlewine El trombonista Bennie Green grabó cuatro sesiones para Blue Note Records, tres de las cuales se publicaron como LPs completos. En la sesión restante, el grupo grabó una serie de ocho canciones que estaban destinadas a ser publicadas como singles - como señala el productor de la reedición, Michael Cuscuna, varias canciones se desvanecen al final en las cintas maestras, cortando los solos justo cuando empiezan a despegar. La edición japonesa The 45 Session recoge los nueve masters, incluyendo una toma alternativa del homenaje vocal de Babs Gonzales a Bennie, "Encore". Teniendo en cuenta la fuerza del combo de Green -que contaba con el pianista Sonny Clark, el bajista Paul Chambers, el saxofonista tenor Eddy Williams y el baterista Jerry Segal- es un poco frustrante escuchar las canciones en forma truncada, pero ya que esa es la única forma en que existen, los fans deben apreciar lo que tenemos. Y esto es música para apreciar. Las grabaciones de Green en Blue Note son siempre divertidas, y ésta no es una excepción. Cada canción se balancea con energía, ofreciendo a cada instrumentista la oportunidad de brillar - el desglose de palmas de piano en "Minor Revelation" es tan contagioso como el soplido de "It's Groovy" o la interpretación de swing de "Why Do I Love You". Se trata de música alegre, bluesera y de buen humor, y aunque el saludo hipster de Gonzales a Green ha quedado un poco anticuado, el resto de la música es tan atractiva hoy como cuando se grabó. https://www.allmusic.com/album/the-45-session-mw0000960169
Review by Stephen Thomas Erlewine Trombonist Bennie Green cut four sessions for Blue Note Records, three of which were released as full-length LPs. At the remaining session, the group cut a series of eight songs that were intended for release as singles -- as reissue producer Michael Cuscuna points out, several songs fade out at the end on the master tapes, cutting off solos just as they're beginning to take off. The Japanese issue The 45 Session collects all nine masters, including one alternate take of Babs Gonzales' vocal tribute to Bennie, "Encore." Considering the strength of Green's combo -- it boasted pianist Sonny Clark, bassist Paul Chambers, tenor saxophonist Eddy Williams, and drummer Jerry Segal -- it's a bit frustrating to hear the songs in truncated form, but since that's the only way they exist, fans should cherish what we do have. And this is music to cherish. Green's Blue Note recordings are consistently fun, and this is no exception. Each song swings with energy, offering each instrumentalist a chance to shine -- the piano-handclap breakdown on "Minor Revelation" is as infectious as the blowing "It's Groovy" or the swinging interpretation of "Why Do I Love You." This is cheery, bluesy, good-natured music, and even if Gonzales' hipster salute to Green has dated a bit, the rest of the music is as appealing today as when it was recorded. https://www.allmusic.com/album/the-45-session-mw0000960169
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Reseña por Stephen Thomas Erlewine El trombonista Bennie Green grabó cuatro sesiones para Blue Note Records, tres de las cuales se publicaron como LPs completos. En la sesión restante, el grupo grabó una serie de ocho canciones que estaban destinadas a ser publicadas como singles - como señala el productor de la reedición, Michael Cuscuna, varias canciones se desvanecen al final en las cintas maestras, cortando los solos justo cuando empiezan a despegar. La edición japonesa The 45 Session recoge los nueve masters, incluyendo una toma alternativa del homenaje vocal de Babs Gonzales a Bennie, "Encore". Teniendo en cuenta la fuerza del combo de Green -que contaba con el pianista Sonny Clark, el bajista Paul Chambers, el saxofonista tenor Eddy Williams y el baterista Jerry Segal- es un poco frustrante escuchar las canciones en forma truncada, pero ya que esa es la única forma en que existen, los fans deben apreciar lo que tenemos. Y esto es música para apreciar. Las grabaciones de Green en Blue Note son siempre divertidas, y ésta no es una excepción. Cada canción se balancea con energía, ofreciendo a cada instrumentista la oportunidad de brillar - el desglose de palmas de piano en "Minor Revelation" es tan contagioso como el soplido de "It's Groovy" o la interpretación de swing de "Why Do I Love You". Se trata de música alegre, bluesera y de buen humor, y aunque el saludo hipster de Gonzales a Green ha quedado un poco anticuado, el resto de la música es tan atractiva hoy como cuando se grabó. https://www.allmusic.com/album/the-45-session-mw0000960169
The 26 tunes with Billle Holiday on this 77 min CD span the years 1940-1949. There are eleven different sessions on the CD both live and studio ranging from a duo number with piano to octets and full orchestra. lncluded on the CD are Billie Holiday’s last official recordings with tenor saxophonist Lester Young and pianist Teddy Wilson. The repertoire consists mostly of Billie Holiday ballad and blues standards. Accompanying Billie Holiday on this CD are many other masters af jazz, including Roy Eldridge, Red Norvo, Don Byas, Benny Carter, Barney Bigard, Coleman Hawkins, Jimmy Hamilton, Hot Lips Page and Art Tatum. 9 Fantastic live sessions include the Esquire AllAmerican Poll Winners Concert from 1944, an Apollo Theater concert from 1945, and eight tunes from the Just Jazz Concert in Los Angeles with the Red Norvo Septet in 1949. Billie Holiday sings wonderfully throughout: check out her blues renditions of “St. Louis Blues” and “Loveless Love”. https://storyvillerecords.com/product/billie-holiday-1940-49/
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Los 26 temas con Billle Holiday en este CD de 77 minutos abarcan los años 1940-1949. Hay once sesiones diferentes en el CD, tanto en directo como en estudio, que van desde un número a dúo con piano hasta octetos y orquesta completa. En el CD se incluyen las últimas grabaciones oficiales de Billie Holiday con el saxofonista tenor Lester Young y el pianista Teddy Wilson. El repertorio se compone principalmente de baladas y estándares de blues de Billie Holiday. Acompañan a Billie Holiday en este CD muchos otros maestros del jazz, como Roy Eldridge, Red Norvo, Don Byas, Benny Carter, Barney Bigard, Coleman Hawkins, Jimmy Hamilton, Hot Lips Page y Art Tatum. 9 Fantásticas sesiones en directo que incluyen el Esquire AllAmerican Poll Winners Concert de 1944, un concierto del Apollo Theater de 1945 y ocho temas del Just Jazz Concert de Los Ángeles con el Red Norvo Septet en 1949. Billie Holiday canta maravillosamente en todo el disco: fíjate en sus interpretaciones de blues de "St. Louis Blues" y "Loveless Love". https://storyvillerecords.com/product/billie-holiday-1940-49/
Review by Ron Wynn Sharp trio set. Burrell is backed by excellent bass/drums duo of Rufus Reid and Ben Riley, both of whom are Burrell's playing equals. The results are uniformly solid, sometimes more emphatic than others. Burrell is still playing in a relaxed, easy groove, but occasionally increases the energy level. https://www.allmusic.com/album/listen-to-the-dawn-mw0000079933
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Review by Ron Wynn Sharp trio set. Burrell is backed by excellent bass/drums duo of Rufus Reid and Ben Riley, both of whom are Burrell's playing equals. The results are uniformly solid, sometimes more emphatic than others. Burrell is still playing in a relaxed, easy groove, but occasionally increases the energy level. https://www.allmusic.com/album/listen-to-the-dawn-mw0000079933
Biography by Scott Yanow Throughout his career, Zoot Sims was famous for epitomizing the swinging musician, never playing an inappropriate phrase.He
always sounded inspired, and although his style did not change much
after the early 1950s, Zoot's enthusiasm and creativity never wavered.
Zoot's family was involved in vaudeville, and he played drums and clarinet as a youth.His older brother, Ray Sims, developed into a fine trombonist who sounded like Bill Harris.At
age 13, Sims switched permanently to the tenor, and his initial
inspiration was Lester Young, although he soon developed his own
cool-toned sound.Sims
was a professional by the age of 15, landing his first important job
with Bobby Sherwood's Orchestra, and he joined Benny Goodman's big band
for the first time in 1943; he would be one of BG's favorite tenormen
for the next 30 years.He recorded with Joe Bushkin in 1944, and even at that early stage, his style was largely set.
After a period in the Army, Sims was with Goodman from 1946-1947.He gained his initial fame as one of Woody Herman's "Four Brothers" during his time with the Second Herd (1947-1949).Zoot had brief stints with Buddy Rich's short-lived big band, Artie Shaw, Goodman (1950), Chubby Jackson, and Elliot Lawrence.He toured and recorded with Stan Kenton (1953) and Gerry Mulligan (1954-1956).Sims
was also a star soloist with Mulligan's Concert Jazz Band of the early
'60s and visited the Soviet Union with Benny Goodman in 1962.A
freelancer throughout most of his career, Sims often led his own combos
or co-led bands with his friend Al Cohn; the two tenors had very
similar sounds and styles.Zoot started doubling on soprano quite effectively in the '70s.Through the years, he appeared in countless situations, and always seemed to come out ahead.Fortunately,
Zoot Sims recorded frequently, leading sessions for Prestige,
Metronome, Vogue, Dawn, Storyville, Argo, ABC-Paramount, Riverside,
United Artists, Pacific Jazz, Bethlehem, Colpix, Impulse, Groove
Merchant, Famous Door, Choice, Sonet, and a wonderful series for Pablo. https://www.allmusic.com/artist/zoot-sims-mn0000228087/biography
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Biografía de Scott Yanow A lo largo de su carrera, Zoot Sims fue famoso por personificar al músico del swing, nunca tocando una frase inapropiada.Siempre
sonaba inspirado, y aunque su estilo no cambió mucho después de los
primeros años 50, el entusiasmo y la creatividad de Zoot nunca flaqueó.
La familia de Zoot se dedicaba al vodevil, y él tocaba la batería y el clarinete en su juventud.Su hermano mayor, Ray Sims, se convirtió en un fino trombonista que sonaba como Bill Harris.A
los 13 años, Sims cambió permanentemente al tenor, y su inspiración
inicial fue Lester Young, aunque pronto desarrolló su propio sonido de
tono fresco.Sims
era un profesional a los 15 años, consiguiendo su primer trabajo
importante con la Orquesta de Bobby Sherwood, y se unió a la gran banda
de Benny Goodman por primera vez en 1943; sería uno de los tenores
favoritos de BG durante los siguientes 30 años.Grabó con Joe Bushkin en 1944, e incluso en esa primera etapa, su estilo estaba muy marcado.
Después de un período en el ejército, Sims estuvo con Goodman de 1946 a 1947.Ganó su fama inicial como uno de los "Cuatro Hermanos" de Woody Herman durante su estancia en la Segunda Manada (1947-1949).Zoot
tuvo breves estancias en la corta vida de la gran banda de Buddy Rich,
Artie Shaw, Goodman (1950), Chubby Jackson, y Elliot Lawrence.Hizo giras y grabó con Stan Kenton (1953) y Gerry Mulligan (1954-1956).Sims
también fue un solista estrella de la Concert Jazz Band de Mulligan a
principios de los años 60 y visitó la Unión Soviética con Benny Goodman
en 1962.Trabajó
por cuenta propia durante la mayor parte de su carrera, y a menudo
dirigió sus propios combos o bandas codirigidas con su amigo Al Cohn;
los dos tenores tenían sonidos y estilos muy similares.Zoot empezó a doblar a la soprano de forma bastante efectiva en los 70.A través de los años, apareció en innumerables situaciones, y siempre pareció salir adelante.Afortunadamente,
Zoot Sims grabó con frecuencia, dirigiendo sesiones para Prestige,
Metronome, Vogue, Dawn, Storyville, Argo, ABC-Paramount, Riverside,
United Artists, Pacific Jazz, Bethlehem, Colpix, Impulse, Groove
Merchant, Famous Door, Choice, Sonet, y una maravillosa serie para
Pablo. https://www.allmusic.com/artist/zoot-sims-mn0000228087/biography
Biography by Chris Kelsey In
the '60s, when John Coltrane and Ornette Coleman were defining the
concept of a jazz avant-garde, few knowledgeable observers would have
guessed that in another 30 years the music's mainstream would virtually
bypass their innovations, in favor of the hard bop style that free jazz
had apparently supplanted. As it turned out, many listeners who had come
to love jazz as a sophisticated manifestation of popular music were
unable to accept the extreme esotericism of the avant-garde; their
tastes were rooted in the core elements of "swing" and "blues,"
characteristics found in abundance in the music of the Jazz Messengers,
the quintessential hard bop ensemble led by drummer Art Blakey. In the
'60s, '70s, and '80s, when artists on the cutting edge were attempting
to transform the music, Blakey continued to play in more or less the
same bag he had since the '40s, when his cohorts included the likes of
Charlie Parker, Miles Davis, and Fats Navarro. By the '80s, the evolving
mainstream consensus had reached a point of overwhelming approval in
regard to hard bop: this is what jazz is, and Art Blakey -- as its
longest-lived and most eloquent exponent -- was its master.
The
Jazz Messengers had always been an incubator for young talent. A list of
the band's alumni is a who's who of straight-ahead jazz from the '50s
on -- Lee Morgan, Wayne Shorter, Freddie Hubbard, Johnny Griffin, Jackie
McLean, Donald Byrd, Bobby Timmons, Cedar Walton, Benny Golson, Joanne
Brackeen, Billy Harper, Valery Ponomarev, Bill Pierce, Branford
Marsalis, James Williams, Keith Jarrett, and Chuck Mangione, to name
several of the most well-known. In the '80s, precocious graduates of
Blakey's School for Swing would continue to number among jazz's movers
and shakers, foremost among them being trumpeter Wynton Marsalis.
Marsalis became the most visible symbol of the '80s jazz mainstream;
through him, Blakey's conservative ideals came to dominate the public's
perception of the music. At the time of his death in 1990, the Messenger
aesthetic dominated jazz, and Blakey himself had arguably become the
most influential jazz musician of the past 20 years.
Blakey's
first musical education came in the form of piano lessons; he was
playing professionally as a seventh grader, leading his own commercial
band. He switched to drums shortly thereafter, learning to play in the
hard-swinging style of Chick Webb and Sid Catlett. In 1942, he played
with pianist Mary Lou Williams in New York. He toured the South with
Fletcher Henderson's band in 1943-1944. From there, he briefly led a
Boston-based big band before joining Billy Eckstine's new group, with
which he would remain from 1944-1947. Eckstine's big band was the famous
"cradle of modern jazz," and included (at different times) such major
figures of the forthcoming bebop revolution as Dizzy Gillespie, Miles
Davis, and Charlie Parker. When Eckstine's group disbanded, Blakey
started a rehearsal ensemble called the Seventeen Messengers. He also
recorded with an octet, the first of his bands to be called the Jazz
Messengers. In the early '50s, Blakey began an association with Horace
Silver, a particularly likeminded pianist with whom he recorded several
times. In 1955, they formed a group with Hank Mobley and Kenny Dorham,
calling themselves "Horace Silver and the Jazz Messengers." The
Messengers typified the growing hard bop movement -- hard, funky, and
bluesy, the band emphasized the music's primal rhythmic and harmonic
essence. A year later, Silver left the band, and Blakey became its
leader. From that point, the Messengers were Blakey's primary vehicle,
though he would continue to freelance in various contexts. Notable was A
Jazz Message, a 1963 Impulse record date with McCoy Tyner, Sonny Stitt,
and Art Davis; a 1971-1972 world tour with "the Giants of Jazz," an
all-star venture with Thelonious Monk, Dizzy Gillespie, Sonny Stitt, and
Al McKibbon; and an epochal drum battle with Max Roach, Elvin Jones,
and Buddy Rich at the 1964 Newport Jazz Festival. Blakey also frequently
recorded as a sideman under the leadership of ex-Messengers.
Blakey's
influence as a bandleader could not have been nearly so great had he
not been such a skilled instrumentalist. No drummer ever drove a band
harder; none could generate more sheer momentum in the course of a tune;
and probably no drummer had a lower boiling point -- Blakey started
every performance full-bore and went from there. His accompaniment style
was relentless, and woe to the young saxophonist who couldn't keep up,
for Blakey would run him over like a fullback. Blakey differed from
other bop drummers in that his style was almost wholly about the music's
physical attributes. Where his contemporary Max Roach dealt extensively
with the drummer's relationship to melody and timbre, for example,
Blakey showed little interest in such matters. To him, jazz percussion
wasn't about tone color; it was about rhythm -- first, last, and in
between. Blakey's drum set was the engine that propelled the music. To
the extent that he exhibited little conceptual development over the
course of his long career, either as a player or as a bandleader, Blakey
was limited. He was no visionary by any means. But Blakey did one thing
exceedingly well, and he did it with genius, spirit, and generosity
until the very end of his life. https://www.allmusic.com/artist/art-blakey-mn0000928942#biography
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Biografía de Chris Kelsey En
los años 60, cuando John Coltrane y Ornette Coleman estaban definiendo
el concepto de vanguardia del jazz, pocos observadores conocedores
habrían adivinado que en otros 30 años la corriente principal de la
música pasaría virtualmente por alto sus innovaciones, a favor del
estilo hard bop que el free jazz aparentemente había suplantado. Al
final resultó que, muchos oyentes que habían llegado a amar el jazz como
una manifestación sofisticada de la música popular no pudieron aceptar
el esoterismo extremo de la vanguardia; sus gustos estaban arraigados en
los elementos centrales del "swing" y el "blues", características que
se encuentran en abundancia en la música de Jazz Messengers, el conjunto
hard bop por excelencia dirigido por el baterista Art Blakey. En los
años 60, 70 y 80, cuando artistas de vanguardia intentaban transformar
la música, Blakey continuó tocando más o menos en la misma bolsa que
tenía desde los años 40, cuando sus cohortes incluían a Charlie Parker,
Miles Davis y Fats Navarro. Para los años 80, el consenso general en
evolución había alcanzado un punto de aprobación abrumadora con respecto
al hard bop: esto es lo que es el jazz, y Art Blakey, como su exponente
más longevo y elocuente, era su maestro.
Los Jazz Messengers
siempre habían sido una incubadora de jóvenes talentos. Una lista de los
alumnos de la banda es quién es quién del jazz directo de los años 50
en adelante: Lee Morgan, Wayne Shorter, Freddie Hubbard, Johnny Griffin,
Jackie McLean, Donald Byrd, Bobby Timmons, Cedar Walton, Benny Golson,
Joanne Brackeen, Billy Harper, Valery Ponomarev, Bill Pierce, Branford
Marsalis, James Williams, Keith Jarrett y Chuck Mangione, por nombrar a
varios de los más conocidos. En los años 80, los graduados precoces de
la Escuela de Swing de Blakey continuarían siendo uno de los impulsores y
agitadores del jazz, siendo el más destacado el trompetista Wynton
Marsalis. Marsalis se convirtió en el símbolo más visible de la
corriente principal del jazz de los 80; a través de él, los ideales
conservadores de Blakey llegaron a dominar la percepción pública de la
música. En el momento de su muerte en 1990, la estética Messenger
dominaba el jazz, y podría decirse que el propio Blakey se había
convertido en el músico de jazz más influyente de los últimos 20 años.
La
primera educación musical de Blakey llegó en forma de lecciones de
piano; tocaba profesionalmente en séptimo grado, liderando su propia
banda comercial. Cambió a la batería poco después, aprendiendo a tocar
con el estilo duro de Chick Webb y Sid Catlett. En 1942, tocó con la
pianista Mary Lou Williams en Nueva York. Realizó una gira por el Sur
con la banda de Fletcher Henderson en 1943-1944. A partir de ahí,
dirigió brevemente una big band con sede en Boston antes de unirse al
nuevo grupo de Billy Eckstine, con el que permanecería de 1944 a 1947.
La big band de Eckstine fue la famosa "cuna del jazz moderno" e incluyó
(en diferentes momentos) a figuras tan importantes de la próxima
revolución del bebop como Dizzy Gillespie, Miles Davis y Charlie Parker.
Cuando el grupo de Eckstine se disolvió, Blakey inició un conjunto de
ensayo llamado Seventeen Messengers. También grabó con un octeto, la
primera de sus bandas en llamarse Jazz Messengers. A principios de los
50, Blakey inició una asociación con Horace Silver, un pianista
particularmente afín con quien grabó varias veces. En 1955, formaron un
grupo con Hank Mobley y Kenny Dorham, llamándose a sí mismos "Horace
Silver and the Jazz Messengers"."The Messengers tipificaron el creciente
movimiento hard bop hard duro, funky y blues, la banda enfatizó la
esencia rítmica y armónica primordial de la música. Un año después,
Silver dejó la banda y Blakey se convirtió en su líder. A partir de ese
momento, los Mensajeros fueron el vehículo principal de Blakey, aunque
continuaría trabajando como autónomo en varios contextos. Notable fue A
Jazz Message, una cita discográfica Impulse de 1963 con McCoy Tyner,
Sonny Stitt y Art Davis; una gira mundial de 1971-1972 con "the Giants
of Jazz", una aventura estelar con Thelonious Monk, Dizzy Gillespie,
Sonny Stitt y Al McKibbon; y una batalla de tambores de época con Max
Roach, Elvin Jones y Buddy Rich en el Festival de Jazz de Newport de
1964. Blakey también grabó con frecuencia como acompañante bajo el
liderazgo de ex Mensajeros.
La influencia de Blakey como líder de
banda no podría haber sido tan grande si no hubiera sido un
instrumentista tan hábil. Ningún baterista jamás impulsó a una banda más
fuerte; ninguno pudo generar un impulso más absoluto en el transcurso
de una melodía; y probablemente ningún baterista tuvo un punto de
ebullición más bajo Bl Blakey comenzó cada actuación a fondo y partió de
allí. Su estilo de acompañamiento era implacable, y ay del joven
saxofonista que no podía seguir el ritmo, porque Blakey lo atropellaría
como un fullback. Blakey se diferenciaba de otros bateristas de bop en
que su estilo trataba casi por completo de los atributos físicos de la
música. Mientras que su contemporáneo Max Roach trató extensamente la
relación del baterista con la melodía y el timbre, por ejemplo, Blakey
mostró poco interés en tales asuntos. Para él, la percusión de jazz no
se trataba del color del tono; se trataba del ritmo, primero, último y
intermedio. La batería de Blakey fue el motor que impulsó la música. En
la medida en que exhibió poco desarrollo conceptual a lo largo de su
larga carrera, ya sea como músico o como líder de banda, Blakey fue
limitado. Él no era un visionario de ninguna manera. Pero Blakey hizo
una cosa extremadamente bien, y lo hizo con genio, espíritu y
generosidad hasta el final de su vida. https://www.allmusic.com/artist/art-blakey-mn0000928942#biography
Biography by Scott Yanow Altoist/flutist Bud Shank and Brazilian acoustic guitarist Laurindo Almeida first teamed up in the 1950s to create music that predated but strongly hinted at bossa nova. In 1974, they reunited to form the L.A. Four with bassist Ray Brown and drummer Chuck Flores. With Shelly Manne and later Jeff Hamilton replacing Flores on drums, the L.A. Four recorded eight albums for Concord through 1982, breaking up shortly afterward. Their mixture of cool-toned bop, Brazilian-oriented music, and ballads was quite attractive. https://www.allmusic.com/artist/the-la-4-mn0000090637#biography
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Biografía de Scott Yanow El alto flautista Bud Shank y el guitarrista acústico brasileño Laurindo Almeida se unieron por primera vez en la década de 1950 para crear una música anterior a la bossa nova, aunque con fuertes guiños a ésta. En 1974, se reunieron para formar los L.A. Four con el bajista Ray Brown y el batería Chuck Flores. Con Shelly Manne y más tarde Jeff Hamilton sustituyendo a Flores en la batería, los L.A. Four grabaron ocho álbumes para Concord hasta 1982, separándose poco después. Su mezcla de bop fresco, música brasileña y baladas era bastante atractiva. https://www.allmusic.com/artist/the-la-4-mn0000090637#biography
Biography by Scott Yanow A
talented and flashy trumpeter, Jonah Jones hit upon a formula in 1955
that made him a major attraction for a decade; playing concise versions
of melodic swing standards and show tunes muted with a quartet.But
although the non-jazz audience discovered Jones during the late '50s,
he had already been a very vital trumpeter for two decades.Jones started out playing on a Mississippi riverboat in the 1920s.He
freelanced in the Midwest (including with Horace Henderson), was
briefly with Jimmie Lunceford (1931), had an early stint with Stuff
Smith (1932-1934), and then spent time with Lil Armstrong's short-lived
orchestra and the declining McKinney's Cotton Pickers.Jones became famous for his playing with Stuff Smith's Onyx club band (1936-1940), recording many exciting solos.
He
gigged with Benny Carter and Fletcher Henderson and became a star
soloist with Cab Calloway (1941-1952), staying with the singer even
after his big band became a combo.Jones
played Dixieland with Earl Hines (1952-1953), toured Europe in 1954
(including a brilliant recording session with Sidney Bechet), and then
led his quartet at the Embers (1955), hitting upon his very successful
formula.His
shuffle version of "On the Street Where You Live" was the first of many
hits and he recorded a long series of popular albums for Capitol during
1957-1963, switching to Decca for a few more quartet albums in
1965-1967.Jonah
Jones recorded a fine date with Earl Hines for Chiaroscuro (1972) and
still played on an occasional basis in the 1980s and early '90s; he died
April 30, 2000, at the age of 91.
Biografía de Scott Yanow Un
talentoso y llamativo trompetista, Jonah Jones encontró una fórmula en
1955 que lo convirtió en una gran atracción durante una década; tocando
versiones concisas de estándares de swing melódico y melodías de
espectáculo silenciadas con un cuarteto.Pero
aunque el público no especializado descubrió a Jones a finales de los
50, ya había sido un trompetista muy vital durante dos décadas.Jones empezó a tocar en un barco del Mississippi en los años 20.Trabajó
como freelance en el Medio Oeste (incluyendo a Horace Henderson),
estuvo brevemente con Jimmie Lunceford (1931), tuvo una temprana
estancia con Stuff Smith (1932-1934), y luego pasó un tiempo con la
orquesta de corta duración de Lil Armstrong y la decadente McKinney's
Cotton Pickers.
Jones se hizo famoso por tocar con la banda del club Onyx de Stuff Smith (1936-1940), grabando muchos solos emocionantes.Actuó
con Benny Carter y Fletcher Henderson y se convirtió en un solista
estrella con Cab Calloway (1941-1952), permaneciendo con el cantante
incluso después de que su gran banda se convirtiera en un combo.Jones
tocó en Dixieland con Earl Hines (1952-1953), hizo una gira por Europa
en 1954 (incluyendo una brillante sesión de grabación con Sidney
Bechet), y luego dirigió su cuarteto en el Embers (1955), dando con su
fórmula de gran éxito.Su
versión aleatoria de "On the Street Where You Live" fue el primero de
muchos éxitos y grabó una larga serie de álbumes populares para el
Capitolio durante 1957-1963, pasando a Decca para unos pocos álbumes más
del cuarteto en 1965-1967.Jonah
Jones grabó una buena cita con Earl Hines para Chiaroscuro (1972) y
todavía tocó ocasionalmente en los años ochenta y principios de los
noventa; murió el 30 de abril de 2000, a la edad de 91 años.
Mongo Santamaria enjoyed a long and successful career in Latin music. His recordings and concert performances ranged from the authentic percussion music of Afro-Cuban religious rituals through to Latin-jazz reworkings of American jazz and pop hits.
His song Afro-Blue became a contemporary jazz standard, best-known in the coruscating version by saxophonist John Coltrane. His own adaptation of Herbie Hancock’s Watermelon Man provided the biggest hit of his career in 1963, and is regarded as a classic artefact on the Lounge Music scene.
He was born Ramon Santamaria in Cuba, and nicknamed Mongo by his father (the word denotes a tribal chief in Senegal). He began learning violin, but quickly switched to drums and then congas, and left school early to work as a musician on the highly active local scene in Havana.
He graduated to the famous Tropicana Club with bands like Conjunto Matamoros and Conjunto Azul, then moved to New York in 1950. He was able to pursue his interest in American jazz at its epicentre, while gaining valuable exposure playing with two of the most important Latin band leaders in the city, Perez Prado and later Tito Puente.
Their explosive percussion battles became a major attraction in Puente’s band, but in 1958 he left the band to work with the jazz vibraphonist Cal Tjader, who was beginning to explore the Latin jazz direction which made his reputation. He spent some years in California in this period, but returned to New York in 1962.
He was already making records under his own name while working with Tjader, and soon formed his own band in New York. He came across Herbie Hancock’s Watermelon Man when the pianist sat in with the band at a Cuban music club in the Bronx in 1962, and immediately saw the possibilities.
His own version was a top ten entry on the American pop charts in 1963, and launched the percussionist on a new and more commercial direction, although the standard of his musicians generally remained high, including jazz artists like Chick Corea, Ray Vega, Sonny Fortune and Hubert Laws.
He pursued the strategy of adding a Latin groove to jazz and pop tunes throughout the next two decades, and became an acknowledged leader in the highly popular Latin-soul fusion movement of the era. He became one of the best known names in Latin music, and reached a wide audience with his accessible, dance-oriented approach to the music.
Although he never scored another hit of the magnitude of Watermelon Man, his other successes of the period included an energised version of La Bamba in 1964 and another big American success with his version of The Temptations’s Cloud Nine in 1969. He received several Grammy nominations in the Seventies and Eighties, and won the award in 1977 for his album Amancer.
In the early Eighties he returned to a more jazz influenced direction. He continued to perform into the early Nineties, and made further recordings even after he retired from concert appearances.
Latin Jazz conguero and bandleader Ramón “Mongo” Santamaria, unfortunately passed away in Miami, Florida, on February 1st, 2003 at the age of 85.
Mongo's body of work and his contribution to the evolution of percussion not just in Latin genres but in music in general is one that will continue to inspire musicians for years to come.
Mongo Santamaría disfrutó de una larga y exitosa carrera en la música latina. Sus grabaciones y conciertos abarcaron desde la auténtica música de percusión de rituales religiosos afrocubanos hasta la reelaboración de jazz latinoamericano y éxitos pop.
Su canción Afro-Blue se convirtió en un estándar del jazz contemporáneo, más conocido en la versión coruscante del saxofonista John Coltrane. Su propia adaptación de Watermelon Man de Herbie Hancock proporcionó el mayor éxito de su carrera en 1963, y es considerado como un artefacto clásico en la escena Lounge Music.
Nació en Cuba, Ramón Santamaría, y su padre lo apodó Mongo (la palabra denota un jefe tribal en Senegal). Comenzó a aprender violín, pero rápidamente cambió a la batería y luego a las congas, y dejó la escuela temprano para trabajar como músico en la activa escena local de La Habana.
Se graduó en el famoso Tropicana Club con bandas como Conjunto Matamoros y Conjunto Azul, y luego se mudó a Nueva York en 1950. Pudo continuar su interés en el jazz americano en su epicentro, mientras ganaba una valiosa exposición tocando con dos de los líderes de bandas latinas más importantes de la ciudad, Pérez Prado y más tarde Tito Puente.
Sus explosivas batallas de percusión se convirtieron en una gran atracción para la banda de Puente, pero en 1958 dejó la banda para trabajar con el vibrafonista de jazz Cal Tjader, quien estaba comenzando a explorar la dirección del jazz latino que hizo su reputación. Pasó algunos años en California en este período, pero regresó a Nueva York en 1962.
Ya estaba grabando discos bajo su propio nombre mientras trabajaba con Tjader, y pronto formó su propia banda en Nueva York. Se encontró con Watermelon Man de Herbie Hancock cuando el pianista se sentó con la banda en un club de música cubana en el Bronx en 1962, e inmediatamente vio las posibilidades.
Su propia versión fue una de las diez mejores entradas en las listas de éxitos del pop estadounidense en 1963, y lanzó al percusionista en una dirección nueva y más comercial, aunque el nivel de sus músicos en general siguió siendo alto, incluyendo a artistas de jazz como Chick Corea, Ray Vega, Sonny Fortune y Hubert Laws.
Siguió la estrategia de añadir un groove latino a las melodías de jazz y pop durante las dos décadas siguientes, y se convirtió en un líder reconocido en el altamente popular movimiento de fusión de alma latina de la época. Se convirtió en uno de los nombres más conocidos de la música latina, y llegó a un amplio público con su enfoque accesible y orientado a la danza.
Aunque nunca tuvo otro éxito de la magnitud de Watermelon Man, sus otros éxitos de la época incluyeron una versión animada de La Bamba en 1964 y otro gran éxito americano con su versión de The Temptations's Cloud Nine en 1969. Recibió varias nominaciones a los Grammy en los años setenta y ochenta, y ganó el premio en 1977 por su álbum Amancer.
A principios de los ochenta regresó a una dirección más influenciada por el jazz. Continuó tocando hasta principios de los años noventa, e hizo más grabaciones incluso después de retirarse de las apariciones en conciertos.
El conguero y director de orquesta de jazz latino Ramón "Mongo" Santamaría, lamentablemente falleció en Miami, Florida, el 1 de febrero de 2003 a la edad de 85 años.
El trabajo de Mongo y su contribución a la evolución de la percusión no sólo en los géneros latinos, sino en la música en general, es uno que continuará inspirando a los músicos en los años venideros.
